{"id":35814,"date":"2026-07-19T07:57:46","date_gmt":"2026-07-19T05:57:46","guid":{"rendered":"https:\/\/www.reflections.it\/wordpress\/?p=35814"},"modified":"2026-07-27T16:22:52","modified_gmt":"2026-07-27T14:22:52","slug":"odissea-2026","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.reflections.it\/wordpress\/odissea-2026\/","title":{"rendered":"Odissea (2026)"},"content":{"rendered":"\n

Ulisse incastrato tra Memento e Inception<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Esci dalla sala dopo tre ore di proiezione e ti chiedi cosa hai visto, soprattutto a seguito di mesi di feroci diatribe social su teaser, trailer o dichiarazioni della produzione. 250 milioni di dollari, messi in parte dallo stesso Christopher Nolan<\/strong> con la sua Syncopy Films, si vedono tutti anche se in Italia sono pochi quelli che hanno una sala IMAX nelle vicinanze e possono pregiarsi di una visione a tutto tondo. Perch\u00e9 l’Odissea di Nolan \u00e8 il primo film girato integralmente con tecnologia IMAX a 70mm con speciali gigantesche macchine da presa inscatolate per ridurre un rumore che doveva sembrare quello di un trattore. 640 mila metri di pellicola e 91 giorni di riprese tra Italia, Grecia, Marocco, Islanda, Scozia e Malta fanno dell’ultima fatica del regista londinese un kolossal di sicuro impatto, sia in termini di box-office che di premi. Non bisogna essere Tiresia per prevedere qualche Oscar. L’artigianalit\u00e0 diventa il vero manifesto estetico dell’opera, perch\u00e9 un poema fondato sul viaggio, non poteva che essere girato in luoghi remoti, lontano, su onde vere e non riprodotte in studio. La fotografia di Hoyte van Hoytema<\/strong> (alla sua quinta collaborazione con Nolan e reduce da un Oscar per Oppenheimer<\/em>) restituisce una luce fisica, ruvida, mai patinata, che rende credibile ogni onda che si abbatte sulle navi.<\/p>\n\n\n\n

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Il protagonista \u00e8 interpretato dal credibile Matt Damon<\/strong>, attore che, a 55 anni suonati, porta sul corpo il peso della guerra e del \u03bd\u03cc\u03c3\u03c4\u03bf\u03c2 (il ritorno), con una fisicit\u00e0 sciupata, ossuta, lontanissima dal divo levigato che eravamo abituati a vedere. \u00abAvevo bisogno di Matt – ha dichiarato Nolan – perch\u00e9 mi serviva qualcuno con un talento straordinario e una connessione incredibile con il pubblico, e lui si trovava proprio nel momento giusto della sua vita e della sua carriera per interpretare questa parte.\u00bb E qui si apre il primo nodo critico dell’operazione, perch\u00e9 Omero, nel testo che tutti citano e pochissimi leggono, di Odisseo non dice quasi nulla sul piano fisico, lo definisce con l’epiteto \u03c0\u03bf\u03bb\u03cd\u03c4\u03c1\u03bf\u03c0\u03bf\u03c2 (dai molti espedienti), gli attribuisce l’astuzia, la parola ingannevole e meravigliosa, la resistenza, ma non ne descrive gli occhi n\u00e9 la statura se non per un accenno nel libro III dell’Iliade, quando Elena e Priamo, guardandolo tra le file achee, lo notano pi\u00f9 basso di Agamennone ma pi\u00f9 largo di spalle, un dettaglio minimo buttato l\u00ec senza un seguito, perch\u00e9 le sue qualit\u00e0 che interessano sono altre.<\/p>\n\n\n\n

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Questa generale scarsit\u00e0 dei tratti somatici dei protagonisti \u00e8 tipica di tutta l’epica omerica, dove i corpi degli eroi si definiscono per epiteti ricorrenti, \u03c0\u03cc\u03b4\u03b1\u03c2 \u1f60\u03ba\u1f7a\u03c2 (piede veloce) per Achille, \u03b3\u03bb\u03b1\u03c5\u03ba\u1ff6\u03c0\u03b9\u03c2 (occhi lucenti) per Atena; difficile trovare sequenze descrittive esaurienti. Questo lascia a chi voglia rappresentare l’Odissea in immagini una libert\u00e0 quasi totale e insieme una responsabilit\u00e0 enorme, perch\u00e9 ogni scelta di casting diventa un atto interpretativo che il pubblico contemporaneo, abituato a proiettare categorie identitarie moderne su testi scritti tremila anni fa, trasforma immediatamente in terreno di scontro ideologico. \u00c8 esattamente quello che \u00e8 successo con Lupita Nyong’o<\/strong>, chiamata a interpretare sia Elena di Troia sia, in un doppio ruolo di rara ambizione drammaturgica, sua sorella Clitemnestra, scelta che ha scatenato una ondata di polemiche online gi\u00e0 dal 2024, quando la notizia del casting \u00e8 trapelata, culminata nel gennaio 2026 in un intervento pubblico di Elon Musk<\/strong> che ha accusato Nolan di aver perso la propria integrit\u00e0 artistica, riferendosi al fatto che Omero, in un paio di occhi passaggi indiretti e per lo pi\u00f9 attraverso la tradizione successiva pi\u00f9 che nel testo originale, associ Elena a una bellezza chiara, quasi solare.<\/p>\n\n\n\n

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L’attrice ha risposto a questa polemica dichiarando pubblicamente di essersi concentrata sulla profondit\u00e0 del testo e sul peso classico di un personaggio tragico che ha innescato una guerra, e Nolan stesso ha difeso la scelta insistendo sul concetto di forza e di compostezza come cifra identificativa del personaggio pi\u00f9 che sul colore della pelle, una difesa che sul piano cinematografico e recitativo regge benissimo, perch\u00e9 la Elena di Nyong’o, vista sullo schermo, \u00e8 un condensato di dolore trattenuto e fascino letale ma che sul piano del dibattito pubblico non ha spento la controversia, anzi l’ha rilanciata fino alla vigilia dell’uscita, dimostrando quanto sia oggi rischioso, forse impossibile, portare l’epica classica sullo schermo senza inciampare nel cortocircuito tra fedelt\u00e0 filologica, che nel caso specifico \u00e8 quasi un’invenzione retroattiva visto quanto poco il testo dice davvero, e sensibilit\u00e0 identitaria contemporanea, che pretende risposte nette su questioni che Omero non si \u00e8 mai posto. Scelta filologicamente corretta? Magari no, perch\u00e9 l’epiteto omerico di Elena \u00e8 \u03bb\u03b5\u03c5\u03ba\u03ce\u03bb\u03b5\u03bd\u03bf\u03c2 (dalle bianche braccia) ma ricordiamoci sempre che stiamo parlando di un racconto mitico, inventato non si sa da chi, non si sa quando. Quindi abbiamo tutto il diritto noi di dire se ci piaccia o no la scelta, ma anche Nolan co-producendo il film ha il diritto di farlo come piace a lui, non credete?<\/p>\n\n\n\n

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Lo stesso meccanismo di reazione scomposta via social si ripete, su scala minore, con il personaggio di Agamennone affidato a Benny Safdie<\/strong>, il cui elmo “matte black” che sembra pi\u00f9 in fibra di carbonio che in bronzo, ha fatto storcere il naso a una parte del pubblico dei trailer perch\u00e9 ricorda in modo fin troppo diretto la maschera di Batman, altro personaggio storicamente legato alla filmografia di Nolan, e qui il problema non \u00e8 pi\u00f9 identitario ma di coerenza stilistica interna, perch\u00e9 un elmo miceneo che sembra uscito dalla Gotham del Cavaliere Oscuro<\/em> rischia di rompere la sospensione dell’incredulit\u00e0 proprio nel momento in cui il film pretende, con il suo apparato pubblicitario fatto di pellicola granulosa e location vere, di presentarsi come l’opposto della computer grafica patinata. \u00c8 questo un paradosso interessante, perch\u00e9 Nolan ha costruito tutta la sua retorica produttiva sull’autenticit\u00e0 materiale: niente schermo verde, niente motion capture, corpi veri che si muovono su rocce vere sotto un sole vero, e poi finisce per introdurre nel design dei costumi un elemento che sa di fumetto, tradendo, almeno in quel dettaglio, l’ambizione di restituire un’estetica credibile.<\/p>\n\n\n\n

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Su altri fronti il film raggiunge invece momenti di autentica potenza visiva, se pensiamo alla sequenza girata tra le rovine del castello di Santa Caterina, sull’isola di Favignana, nelle Egadi, trasformato in Itaca, in un avamposto di pietra che sembra davvero sospeso tra il mondo miceneo e quello medievale, un anacronismo architettonico che funziona sul piano emotivo perch\u00e9 comunica l’idea di una civilt\u00e0 che si sta sgretolando, di mura che hanno visto secoli passare. Questo porta dritto al nodo pi\u00f9 ambizioso e rischioso dell’intera operazione, perch\u00e9 la sceneggiatura, scritta dallo stesso Nolan, non si limita a raccontare il nostos<\/em>, il ritorno (parola greca che unita ad algos=dolore diventa nostalgia) di un singolo eroe che torna a casa dopo dieci anni di guerra e altrettanti di naufragio, ma prova a incorniciare quella vicenda dentro lo sfondo storico reale del collasso dell’et\u00e0 del bronzo, quel fenomeno per il quale tra il XIII e il XII secolo a.C. l’intero sistema di civilt\u00e0 palaziali del Mediterraneo orientale croll\u00f2 in pochi decenni sotto i colpi di ondate migratorie e invasioni ancora oggi enigmatiche, quelle che un paio di fonti egizie del tempo di Ramses III chiamano genericamente “popoli del mare”.<\/p>\n\n\n\n

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Nolan, evidentemente affascinato dalla cornice di una civilt\u00e0 in declino con l’ansia della “sostituzione etnica”, sceglie di rappresentare il mondo a cui Odisseo fa ritorno non come un’Itaca statica e immutabile che lo aspetta paziente, ma come un angolo di civilt\u00e0 che sta franando insieme al resto del Mediterraneo, con navi straniere che compaiono all’orizzonte, con villaggi costieri bruciati che il protagonista incrocia lungo la rotta, con un senso pervasivo di fine imminente che aleggia su ogni scalo, un’intuizione drammaturgica potentissima sulla carta perch\u00e9 trasforma il viaggio interiore dell’eroe in una metafora della fine di un mondo e l’inizio di un altro meno civilizzato, pi\u00f9 barbarico, dove anche il rispetto per gli dei, anche la “legge di Zeus” viene meno. Ecco che arriva il grande rischio strutturale di qualunque adattamento epico, quello della fedelt\u00e0 al testo originale, perch\u00e9 l’Odissea omerica non \u00e8 un romanzo lineare ma un intreccio narrativo sofisticatissimo che comincia in medias res<\/em>, nel decimo anno di lontananza di Odisseo, con Telemaco adolescente costretto a fronteggiare i pretendenti che dilapidano il patrimonio di famiglia mentre corteggiano forzatamente Penelope. E qui si aprirebbe il tema della condizione femminile dell’epoca dove non pu\u00f2 esistere una regina senza un re, mica siamo nell’Inghilterra vittoriana, ma ci vorrebbe una giornata.<\/p>\n\n\n\n

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Solo pi\u00f9 tardi, attraverso il celebre racconto che Odisseo fa alla corte dei Feaci (ahim\u00e8 scomparsi nella versione di Nolan e sostituiti come auditori del racconto dalla ninfa Calipso), il poema recupera in flashback l’intera vicenda di Polifemo, di Circe, delle Sirene, di Scilla e Cariddi, del viaggio nell’Ade, in una struttura temporale spezzata in modo tale da fare scuola di narratologia ancora oggi. E Nolan, maestro indiscusso della manipolazione temporale gi\u00e0 a partire da Memento<\/em>, passando per Inception<\/em> e Dunkirk<\/em>, ha deciso di rispettare quest’architettura spezzata dell’originale, aprendo il film non dalla partenza da Troia ma da Itaca sotto assedio dei Proci, per poi risalire e alternare i due piani temporali con la sua consueta abilit\u00e0 di montatore concettuale. Una decisione che rende il film pi\u00f9 fedele allo spirito narrativo omerico di quanto ci si aspettasse da un blockbuster estivo, pur comportando il rischio, per uno spettatore digiuno del testo, di perdersi tra salti temporali multipli proprio nel momento in cui il film introduce anche personaggi come Circe, la maga che trasforma i compagni di Odisseo in porci e che nella tradizione successiva viene spesso confusa con la ninfa che trattiene l’eroe per sette anni sull’isola di Ogigia.<\/p>\n\n\n\n

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Su un altro fronte la sceneggiatura sembra aver preso una decisione narrativamente audace nell’espandere il ruolo di Atena, affidata a Zendaya<\/strong>, che nel testo omerico funziona come vera e propria architrave dell’intero poema, la dea protettrice che manovra gli eventi dall’Olimpo, che sprona Telemaco a partire in cerca di notizie del padre, che, travestita da mendicante, prepara il terreno per la strage dei Proci, un personaggio strutturalmente centrale ma nel testo antico privo quasi totalmente di connotazione fisica se non per l’epiteto ricorrente \u03b3\u03bb\u03b1\u03c5\u03ba\u1ff6\u03c0\u03b9\u03c2 (dagli occhi lucenti, e trasformarla in una presenza scenica costante, quasi una co-protagonista, risponde bene alla logica di un cinema contemporaneo che fatica a reggere personaggi divini relegati fuori campo, ma introduce inevitabilmente una accentuazione drammaturgica che nel testo originale non esiste con la stessa insistenza visiva.<\/p>\n\n\n\n

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La trasformazione di Telemaco, interpretato da un Tom Holland<\/strong> che lascia definitivamente alle spalle l’iconografia da supereroe adolescente per costruire un ragazzo fragile e rabbioso, segue con pi\u00f9 fedelt\u00e0 l’arco di formazione gi\u00e0 presente nei primi quattro libri del poema, quella che gli antichi filologi chiamavano “Telemachia”, e che qui diventa, dalle prime reazioni della critica, uno dei nuclei emotivi pi\u00f9 riusciti del film. , Il suo ruolo esplode nella lunghissima sezione finale del film, quella della strage dei Proci, e della riconquista del talamo nuziale genitoriale, episodio che nell’originale occupa tutto il libro XXII e che rappresenta il vero climax drammatico della storia, molto pi\u00f9 della celebre sequenza di Polifemo che nell’immaginario collettivo resta invece l’episodio pi\u00f9 iconico. Polifemo qui non parla, non interagisce con Ulisse che, quindi, non ha modo di presentarsi come “nessuno” mettendo in atto uno dei suoi pi\u00f9 celebri inganni.<\/p>\n\n\n\n

Altro elemento di polemica, le riprese realizzate nei pressi di Al-Dakhla, nel Sahara Occidentale, in quel territorio conteso e sotto occupazione marocchina dagli anni Settanta. Una scelta logistica che ha attirato le critiche dirette degli organizzatori del Sahara International Film Festival, i quali hanno accusato la produzione di normalizzare, attraverso la propria semplice presenza fisica su quel suolo, una condizione di occupazione contestata a livello internazionale. Altra polemica, quella nata dalla fake news secondo la quale l’attore Elliot Page (nato Ellen Page) avrebbe dovuto interpretare Achille, notizia poi smentita categoricamente dalla produzione ma che nel frattempo aveva gi\u00e0 generato settimane di discussione tossica online, un fenomeno tipico dell’ecosistema mediatico contemporaneo in cui una voce non verificata riesce a produrre polemiche identiche a quelle generate da un fatto reale. E la guerra tra Achei e Troiani diventa oggi quelli tra woke e anti-woke, fascisti e antifascisti, razzisti e anti-razzisti, un miliardo di persone che da mesi si esprimeva su di un film prima ancora di vederlo. Elena e Clitemnestra sono nere? A me ha fatto pi\u00f9 effetto il fatto che Nausicaa e i Feaci siano stati depennati dal film. E poi ripensandoci a mente fredda ti balza l’idea che se una donna pu\u00f2 aver fatto impazzire diversi potenti dell’epoca scatenando una guerra decennale, quella donna dovesse avere qualcosa di particolare, di davvero inconsueto. In mezzo a bellissime schiave dalla pelle splendente cedute, vendute, conquistate da re e condottieri, una donna dal color dell’ebano e dalle origini esotiche pu\u00f2 aver rappresentato quella particolarit\u00e0 al pari dei primi amuleti in vetro prodotti dalle civilt\u00e0 pi\u00f9 evolute. Solo gli stolti hanno molte certezze scrisse Bertrand Russell<\/strong>, io sono pieno di dubbi.<\/p>\n\n\n\n

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In mezzo a tutte queste discussioni identitarie, geopolitiche e di casting, il film \u00e8 poi arrivato in sala e la critica ne ha parlato in maniera entusiastica. E si \u00e8 spinti a riflettere quanto si sia parlato relativamente poco della vera scommessa produttiva del film, ovvero il fatto stesso di aver girato un intero lungometraggio epico-fantastico interamente su pellicola IMAX, senza schermo verde, senza motion capture, con 640 mila metri di pellicola impressionata, una scelta che ha comportato conseguenze produttive enormi, dagli stuntmen che hanno raccontato pubblicamente condizioni di lavoro fisicamente estreme durante le riprese in mare aperto, alle difficolt\u00e0 logistiche di spostare macchine da presa pesantissime su terreni impervi come le coste islandesi o le grotte greche vicino a Pilo. Tutto questo apparato produttivo mastodontico, con un cast che include oltre ai gi\u00e0 citati anche Robert Pattinson<\/strong>, Jon Bernthal<\/strong>, John Leguizamo<\/strong>, Mia Goth<\/strong>, Samantha Morton<\/strong>, Corey Hawkins<\/strong> e Himesh Patel<\/strong> distribuiti tra i vari proci, compagni di viaggio e figure del poema, restituisce sullo schermo un senso di scala fisica che nessun film di argomento omerico aveva mai raggiunto prima, una sensazione tattile del mare, della pietra, della fatica dei corpi che compensa ampiamente, dal punto di vista della pura esperienza, le inevitabili scelte di sintesi e di reinterpretazione a cui ogni trasposizione filmica di un testo di tremila anni fa deve necessariamente sottoporsi. <\/p>\n\n\n\n

Perch\u00e9 va detto con chiarezza che la fedelt\u00e0 assoluta a Omero \u00e8 un obiettivo strutturalmente irraggiungibile, non solo per ragioni di durata, un film anche di tre ore non pu\u00f2 contenere ventiquattro libri con la stessa densit\u00e0 narrativa, ma per ragioni pi\u00f9 profonde legate alla natura stessa del testo omerico, un’opera nata per l’oralit\u00e0, costruita su formule ripetute, epiteti, digressioni genealogiche, un tessuto linguistico che non ha equivalente diretto nel linguaggio delle immagini in movimento, per cui ogni adattamento \u00e8 necessariamente una traduzione culturale prima ancora che mediale, e la vera domanda critica da porsi di fronte a un’operazione come questa non \u00e8 quanto il film assomigli filologicamente al testo greco, domanda che porterebbe inevitabilmente a una delusione garantita, ma quanto il film riesca a restituire l’esperienza emotiva e concettuale che quel testo produceva nel suo pubblico originario, il senso della distanza incolmabile, la paura del mare come spazio ignoto e ostile, il valore quasi sacro dell’ospitalit\u00e0 come unico collante sociale in un mondo senza Stato, la tensione costante tra intelligenza astuta e forza bruta.<\/p>\n\n\n\n

E su questo piano specifico, quello della restituzione emotiva pi\u00f9 che documentaria, Nolan sembra aver costruito un’opera coerente nell’impianto complessivo, capace di tenere insieme la dimensione intima del ritorno a casa con quella cosmica del crollo di un intero mondo, senza risolvere del tutto, e forse \u00e8 giusto cos\u00ec, la tensione irrisolvibile tra il mito che sopravvive proprio perch\u00e9 resta vago, aperto, riscrivibile da ogni generazione, e la pretesa moderna, tutta nostra, tutta contemporanea, di volerlo invece fissare una volta per tutte in un’immagine definitiva, precisa, storicamente inattaccabile, pretesa che nessun film, per quanto imponente, per quanto girato su pellicola vera in luoghi veri con attori di enorme calibro, potr\u00e0 mai davvero soddisfare, e forse \u00e8 proprio in questo margine di irrisolto, in questa distanza mai colmata tra il testo e la sua immagine, che risiede la ragione pi\u00f9 profonda per cui, tremila anni dopo, continuiamo ancora a raccontarci la storia di un uomo che prova a tornare a casa. Di quegli uomini che provano a usare la testa pi\u00f9 della pancia e che per questo sono i preferiti dagli dei. Ma i classici fanno proprio questo, parlano di noi da sempre e per sempre perch\u00e9, seppur cambino le epoche, le paure, le ambizioni, le fragilit\u00e0, gli eroismi dell’essere umano sono sempre gli stessi.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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