Tra le anteprime il cartoon Sansone di Tom Dey, con il cagnolone danese creato nel 1954 da Brad Anderson; Operazione Spy Sitter, con Jackie Chan; il trailer di Winx Club 3D di Iginio Straffi (nelle sale dal 29 ottobre con Medusa) e la nuova serie di Disney Channel Buona Fortuna Charlie.

Tra le proiezioni speciali The Blind Side, che è valso l’Oscar per l’interpretazione a Sandra Bullock (distribuito in Italia solo in homevideo). A tagliare il nastro sarà il canale satellitare Boomerang con la proiezione in anteprima nazionale di un episodio cartoon de La Pantera Rosa & Co.; l’anteprima di Agata e Ulisse, firmata da Maurizio Nichetti con Enzo Catania e Elena Sofia Ricci e i grandi classici dell’animazione, dai cartoon storici dei canali Turner Italia per ragazzi, Cartoon Network, Boomerang e Boing Tv e il trailer del cartoon Le straordinarie avventure di Jules Verne, che segna il debutto nell’animazione della Lux Vide (co-prodotto con Rai Fiction) il cui presidente, Luca Bernabei, guiderà la giuria internazionale dei film in concorso (il primo anno c’era Pupi Avati, l’anno scorso Alessandro D’Alatri).

Madrina di quest’anno l’attrice Christiane Filangieri, compagna di Flavio Insinna nella fiction Ho sposato uno sbirro 2 che presto vedremo anche ne I liceali 3. Tra le molteplici novità in programma anche uno Science Day a cura del CNR (Consiglio Nazionale delle Ricerche) e un laboratorio videogame patrocinato da AESVI (Associazione Editori Software Videoludico Italiana). Per l’intrattenimento dei bambini, laboratori di Judo e di Minirugby, ma anche convegni per i genitori, rappresentazioni teatrali e momenti di poesia con Davide Rondoni. Anche quest’anno il Festival rinnova il gemellaggio con “Cartoons on the Bay”, la manifestazione dell’animazione internazionale organizzata da Rai Trade che presenterà una selezione di opere in animazione finaliste dei “Pulcinella Award” 2010.

Tra le pellicole in concorso The Dolphin – Story of a dreamer, coproduzione Germania/Italia/Usa per la regia di Flavio Caporali. Tra i documentari Matteo  Ricci – Un gesuita nel regno del drago (già presentato alla scorsa Mostra di Venezia) e ancora dibattiti,  incontri e convegni tra cui Science Day: Internet in famiglia, Storie infinite: i mondi  fantastici di Michael Ende e Mamma, va bene per me? – L’intrattenimento per minori tra regole ed educazione, tavola rotonda organizzata dalla Fondazione Ente dello Spettacolo su un argomento di importanza cruciale considerati i numerosi tentativi dal ‘65 ad oggi di modificare quella che comunemente è chiamata ‘Legge Censura’ e considerata la velocità con cui i giovanissimi si affacciano ad ogni nuova piattaforma con l’immediata accessibilità ad ogni nuova forma di tecnologia.

Chi lo ricorda tenero ed emaciato al limite dell’umano nel film Il pianista, con cui vinse l’Oscar, resterà stupito di ritrovare Adrien Brody in versione di cattivo superpalestrato. Muscolatura necessaria per rendere credibile il ruolo del guerrigliero senza scrupoli nel suo primo film horror-fantasy d’azione, Predators, dal 14 luglio nei nostri cinema in 200 copie. Chiaro il riferimento al cult con Schwarzenegger in questa fantascientifica caccia all’uomo con mega guerrieri superalieni seminvisibili. «Tutti i ruoli rappresentano una sfida, che si tratti di un dramma, di una commedia o di un film d’azione. La mia responsabilità è rappresentare la verità, capire il mio personaggio, creare dei legami che permettano anche al pubblico di sentirlo vicino. Per Polanski persi peso, qui metto su massa muscolare. Nel primo caso, emotivamente, fisicamente e psicologicamente è stato molto più difficile».

«Fu molto più duro e doloroso assorbire il ruolo del pianista. Un ruolo così, alcuni attori non lo avranno mai, io stesso a quel livello di impegno, di sforzo e di creatività, non sono più arrivato». Dell’affaire Polanski, il regista che l’ha fatto conoscere al mondo, preferisce non parlare: «Tornerei a lavorare con lui anche subito se ci fosse l’occasione – taglia corto -, ma non spetta a me dare pareri sulla sua attuale situazione legale». Visto che il finale di Predators rimane volutamente aperto, facendo pensare ad un inevitabile sequel, Brody ammette che se ci fossero un bel copione e una bella storia sarebbe felice di farlo. L’Oscar e un film complesso come Il pianista gli hanno dato sicurezza, permettendogli di cambiare, di rischiare anche con ruoli d’azione. «Ho cercato di dare al personaggio di Louis una profondità inusuale per gli standard dei film di genere di Hollywood».

«Ho pensato prima al carattere: doveva essere un leader, un eroe con molti difetti, un antieroe cattivo per il quale è impossibile non fare il tifo. Poi ho pensato al fisico, mettendo su 15 chili di massa muscolare». Dichiara, ma si stenta a credergli, che il film non ha effetti speciali: «Incendi ed esplosioni sono vere, questo film potrà sembrare retrò ma, a mio parere, lo stile anni ‘70 è il migliore, il più potente e intenso, non necessita di trucchetti e scorciatoie per attirare l’attenzione del pubblico».

Un film di sguardi e sentimenti, di allegria e dolore che si celano tra i gesti ripetitivi e frettolosi di tutti i giorni di una famiglia normale. È la sostanza, davvero tanta, del film Affetti & Dispetti (La Nana) del cileno Sebastian Silva, pluripremiato a ragione al Sundance e al Festival di Torino, che è approdato nelle nostre sale con Bolero Film. Un’ottima commedia, spiazzante, che cattura, diverte e commuove, che fa riflettere sui danni profondi e nascosti che provoca la solitudine interiore. Un’attrice sorprendente (e pluripremiata), Catalina Saavedra, che riesce a esprimere quasi soltanto con gli sguardi i profondi turbamenti della sua maniacale “tata” Raquel. Attaccata morbosamente alla benestante e numerosa famiglia Valdés con cui vive da oltre un ventennio, alla quarantenne Raquel non mancano l’affetto e le attenzioni delle persone che la circondano.

Ha cresciuto i ragazzi di casa, che ora adolescenti lei vorrebbe continuare a trattare da vicemadre, ignorando le loro ribellioni. Il lavoro in casa è tanto e duro, ma lei non vuole condividerlo con altre domestiche che maltratta, costringendole con perfida astuzia alla fuga. Tra lo svolgersi frenetico e ripetitivo della vita quotidiana, dove ogni personaggio è perfettamente al suo posto, tanto che lo spettatore condivide la storia quasi vivendola in prima persona. Il trentenne regista cileno, ha girato questo suo secondo in film quasi tutto all’interno della sua casa, col fratello minore nei panni del figlio maggiore dei Valdés, riuscendo con pochi soldi e nessun effetto speciale a creare un vero gioiello di commedia universale.

«Le riprese sono state una follia, giravamo fino a dodici scene al giorno – racconta Silva -, era tutto affascinante ma a volte desideravo che finisse il prima possibile. Era come se La Nana si stesse realizzando in totale autonomia. Le attrici non finivano mai di sorprendermi. Il mio timore era che il film non sembrasse realistico, doveva essere un ritratto fedele, aderente alla realtà. Stavo ricreando tutto nella casa in cui sono cresciuto – continua il regista -, perfino l’umore dei personaggi si ispirava all’esperienza della mia famiglia». Inutile dire che tutto gli è perfettamente riuscito.

Allo scorso Festival di Roma Brotherhood – Fratellanza del regista italo-danese Nicolo Donato ha vinto il Marc’Aurelio d’oro come miglior film. Il 2 luglio arriva nelle sale, vietato ai minori di 18 anni, distribuito in venti copie da Lucky Red e con inevitabile strascico di polemiche. Per il tema forte (e purtroppo d’attualità anche da noi): il neonazismo e l’intolleranza nei confronti delle persone omosessuali in Danimarca. E per le scene d’amore senza veli tra i due protagonisti: due nerboruti ragazzoni con le svastiche tatuate sul collo, tra crani rasati, bandiere del Terzo Reich, le azioni punitive contro gli immigrati pachistani. «Non è né un gay movie né un nazi movie – ha subito messo le mani avanti il regista, allievo di Lars Von Trier, a Roma per presentare il film -.Volevo fare un film su una storia d’amore e l’ho inserito nel contesto neonazista per mostrare come l’amore è più forte di tutto e che non si può dire di no al sentimento perché prima o poi emergerà, esige rispetto».

«É vero che la prima idea mi è venuta vedendo il documentario Men, Heroes, Gay Nazis e il contesto neonazista mi è sembrato subito ideale come ambientazione per la mia storia. Ma non è né American History X né I Segreti di Brokeback Mountain». Lars, il biondo protagonista, deluso da una mancata promozione, decide di lasciare l’esercito. Tornato a casa è attratto ad un movimento neo-nazista ma, soprattutto da Jimmy, un membro attivo del gruppo col cranio rasato e svastiche tatuate in tutto il corpo. Tra i due nascerà una relazione segreta, ma quando il loro amore proibito verrà alla luce, la dura punizione del gruppo non si farà attendere. Il film non è tratto da una storia vera. «Anni fa mi colpì un documentario sull’omosessualità tra i naziskin – dice Donato -. Dopo la morte di un loro leader di Aids si scoprì che di giorno faceva il neonazista e di sera cercava uomini ad Amburgo».

Sin dai primi ciak, racconta, sul set si era creata una certa tensione: «La prima scena è stata girata nei pressi di una torre che è un luogo di ritrovo abituale di gruppuscoli neonazisti. Abbiamo dovuto ingaggiare delle guardie che tenessero d’occhio la situazione, ma non ero lo stesso tranquillo. Fortunatamente poi si è svolto tutto senza problemi. Oggi invito quelle persone a vedere il film, per riflettere sul rispetto nei confronti degli altri». Mentre lavorava alla sceneggiatura lesse sui giornali di un personaggio che si autodefiniva “nazista biologico”. «Ho riso come un pazzo – ricorda – e ho deciso di inserire anche questa tematica ecoloica nel film». Per la ricostruzione degli ambienti si è avvalso della collaborazione di un amico che in gioventù ha fatto parte del movimento neonazista e, prima di dissociarsene, ha scontato cinque condanne in carcere. «Gli ho garantito l’anonimato per proteggerlo da eventuali ritorsioni – dice Donato -, ma la sua esperienza è stata fondamentale perché mi ha insegnato che tutti possiamo cambiare. Se fosse ancora un nazista o un razzista non potrebbe essere mio amico».

Nel film il regista cita anche Ernst Röhm, il nazista braccio destro di Hitler che fu giustiziato con la scusa della sua omosessualità mentre il vero motivo fu che stava diventando troppo popolare da far ombra allo stesso Führer. La figura più controversa del film è Jimmy (l’attore svedese David Dencik): un nazi duro e puro che vive la propria omosessualità con un forte conflitto interiore. «Il mio rapporto con David durante le riprese è stato molto intenso, fino allo scontro – ricorda Donato -, ha una personalità molto forte, abbiamo creato insieme il suo personaggio cosi’ drammatico». I suoi set sono molto minimali, usa poche luci e, solitamente, una camera a spalla. Gli attori si devono preoccupare solo del personaggio, se dimenticano una battuta poco importa. La colonna sonora del film non è “nazirock”, punta sulle sonorità indie. «La musica si intona ai sentimenti dei protagonisti – spiega il regista – e con la fotografia è il vero valore aggiunto di un film». ll suo prossimo progetto sarà August, storia d’amore di un uomo che dopo la morte della figlia e una grande depressione torna alla vita innamorandosi di nuovo.

Quanti segreti si possono nascondere in una famiglia? In casa della guardia carceraria Vince Rizzo, a City Island, tranquillo villaggio di pescatori del Bronx “attaccato” da un ponte alla nevralgica New York, ciascuno ha qualcosa da nascondere. Segreti e risate potrebbe chiamarsi questa commedia interpretata da un sorprendentemente divertente Andy Garcia, protagonista appunto di City Island, scritta e diretta a puntino dall’indipendente Raymond De Felitta che Mikado porterà il 25 giugno nei nostri cinema. In casa Rizzo tutti fumano di nascosto, sul tetto o in giardino, ma questo sarebbe il meno. La figlia universitaria arrotonda ballando di nascosto la lap-dance, il piccolo di casa ha una passione smodata per le grassone che scova, a pagamento, di notte, su Internet. Il capofamiglia però batte tutti.

Dice che va a giocare a poker invece frequenta una scuola di recitazione. Ma non è tutto: in carcere scopre che un giovane detenuto è suo figlio illegittimo, se lo porta a casa con una scusa e lui per poco non gli seduce la moglie. Vince confessa questo suo segreto alla partner che recita al suo fianco, lei lo spinge a fare un provino con Scorsese e De Niro, lui lo passa, la ingaggia come manager e se la porta a casa, dove però sua moglie, credendo sia la sua amante, ci si accapiglia, davanti al figlio di lui illegittimo e quasi suo amante che, scoperto il segreto della figlia adolescente, la riporta a casa discinta e ammanettata. E dopo una rissa collettiva esilarante i nodi vengono tutti al pettine. La figlia del film, Dominik Garcia-Lorido, è la vera figlia di Andy Garcia, che ha trovato entusiasmante recitare al suo fianco, ma il papà se l’è data a gambe per non vederla girare le scene un po’ spinte nel night.

Bravo tutto il cast, con Steven Strait, Julianna Margulies, Ezra Miller e Emily Mortimer. De Felitta ha preso in prestito il motto di George Bernard Shaw: «Se non puoi liberarti degli scheletri di famiglia, tanto vale ballarci insieme» dando vita a una pellicola, costata sei milioni di euro e già uscita negli Stati Uniti il 19 marzo scorso (dove ne ha incassati altrettanti) che ha tempi e dialoghi teatrali, suscita risate spontanee per l’ingarbugliarsi delle situazioni, con tanto di suspence finale e un liberatorio happy end. «Mi sono impegnato a esplorare il mistero che mantiene in vita una famiglia – spiega il regista -, a indagare su come il nostro passato, spesso doloroso, non smetta mai di entrare nelle nostre vite presenti e future. Non è mai troppo tardi per cambiare e scoprire chi sei veramente». A livello stilistico De Felitta è stato influenzato da Woody Allen, James L. Brooks e dal nostro Pietro Germi che,  spiega, «Era in grado di rendere reale e divertente ogni situazione spiacevole, mantenendo sempre un volto impassibile».

Kristen Stewart e Taylor Lautner, protagonisti di Eclipse, il terzo capitolo della saga horror-romantica e milionaria Twilight, nelle nostre sale dal 30 giugno con Eagle Pictures, sono approdati a Roma per presentare il film. Mini abito nero di raso e tulle lei, più casual in camicia grigia e giacca jeans lui, un po’ provati dal fuso orario, hanno parlato dei loro personaggi che crescono ad ogni puntata (e in programma per coprire il quarto capitolo, Breaking down, ce ne saranno altre due). Lei è sempre Bella Swan, divisa tra l’amore impossibile per il bel vampiro Edward Culler (Robert Pattinson) e l’amicizia sentimentale per il licantropo Jacob Black, che l’accompagna nel tour promozionale. Un triangolo amoroso, qui ancor più serrato, che cattura orde di fan, soprattutto tra i giovanissimi. «Molte ragazzine amano Bella perché è strana, ma sa il fatto suo, è determinata, insomma è figa – spiega Kristen -. Commette errori ma sa come affrontarli. Quello che conta nella vita è sapere come affrontare i problemi che ti piovono addosso».

Rispetto al primo film, spiega l’attrice ventenne che vive a Los Angeles, il suo personaggio è cambiato parecchio: «All’ inizio Bella si abbandona un po’ da folle a qualcosa di ignoto, a una storia d’amore idealizzata. Ora apre gli occhi, diventa adulta». «Nel primo film Jacob era solo un tipo alla mano – spiega il diciottenne Taylor -, nel secondo comincia la trasformazione, qui sono più maturo. Sono tanti i messaggi positivi che può dare il mio personaggio: è determinato, sa cosa vuole e lotta per averlo, è uno che lavora sodo». Il film, diretto stavolta da David Slade, punta su sentimenti forti e contrastanti, c’è ancora piu’ azione, in un crescendo di scene violente che toccano il culmine nella battaglia tra vampiri e licantropi alleati contro i NeoNati. Bella deve decidere se diventare vampiro, valutare il prezzo di questa scelta, i pro e i contro di essere l’eterna compagna di Edward. La posta in gioco tra la vita e la morte è sempre più alta, Bella capisce che forse il suo amico Jacob potrebbe offrirle di più».

Emozione nel trasformarsi in licantropo Taylor ne ha provata poca: «Ogni volta che mi trasformavo in lupo subentrava il computer – racconta -, mentre Bella se ne stava seduta in un angolo a vedere noi che ce le suonavamo di santa ragione». Aver cambiato tre registi li ha spronati: «Le sfide erano diverse ad ogni film –racconta lei -, David ci ha fatti lavorare sodo, ha ripensato tutto, ci ha tenuti al chiodo». «Sono due anni che interpretiamo questi personaggi  – aggiunge lui -, lavorare con registi diversi ci ha fatto rimettere in discussione, cambiare i punti di vista, confrontarci con una prospettiva nuova». Il successo ha cambiato anche la loro prospettiva di vita: «Possiamo scegliere di fare ciò che ci piace, ne risente un po’ la privacy, ma basta agire con più furbizia» commenta Taylor. «Devi fare quello che hai sempre fatto, ma in modo più accorto» ammette Kristen. In attesa di tornare sul set per i due film del capitolo Breaking Down, Kristen Stewart sta lavorando al progetto per portare al cinema  On the Road diretto e interpretato da Walter Salles, tratto dal famoso libro Jack Kerouac, mentre Taylor Lautner tra un paio di settimane comincerà le riprese del thriller Abduction di Joe Singleton.

Trent’anni dopo Vincenzo Cerami, Gianfranco Piccioli, Gigi Proietti e Ninetto Davoli si ritrovano sulla spiaggia romana di Ostia per rinverdire le emozioni di quando nel ‘77, con Sergio Citti, dettero vita al film Casotto. Oggi dietro la macchina da presa c’è il figlio di Cerami, Matteo, che a quei tempi non era ancora nato ma che oggi, con Tutti al mare, vuole riportare in vita quel campionario di varia umanità, in versione secondo millennio. Personaggi ridicoli, comici, patetici, sopra e sotto le righe come allora, ma che oggi, invece di “spogliarsi” delle loro tragicomiche maschere tra le pareti di un grande spogliatoio pubblico, ruotano a getto continuo intorno ad un più moderno chiosco balneare, trattati dagli autori con la stessa “pietas” dei loro predecessori. Matteo Cerami ci tiene però a precisare che non si tratta di un remake di Casotto.

«Del film di Citti abbiamo preso lo spirito – spiega il giovane regista -. L’Italia di allora segnata dalla fame è morta e sepolta, quella di oggi è bulimica, superficiale, insegue miti molto diversi. Volevamo però dare ai personaggi la possibilità di continuare ad esistere con le loro maschere anche in questa commedia  molto corale, profonda, amara, tenera e comica, con dialoghi ‘sporchi’, situazioni improvvise, colpi di scena, in un’ambientazione metafisica, sospesa, claustrofobica, come questo chiosco aperto sul mare, il vero protagonista». Un cast stellare che, come allora, si accontenta di recitare a basso costo, visto che il film (che potrebbe esordire ad ottobre al Festival di Roma) ha un budget di circa 2 milioni e mezzo di euro, coperti  per l’80% dalla Film Vision di Piccioli e Gianluca De Marchi, per il 20% da Rai Cinema, e mezzo milione viene dal fondo ministeriale per le opere prime.

«Allora attori come Stoppa, Tognazzi, Melato, Placido, Proietti recitarono praticamente gratis – ricorda Cerami padre -, solo la allora già premio Oscar Jodie Foster ricevette trenta milioni, e alla Deneuve regalammo un anello di Bulgari che, schiaffeggiando Proietti, le volò via dal dito e non fu mai ritrovato». Proietti abbozza divertito a quei ricordi, felice di ritrovarsi con vecchi amici come Cerami, Piccioli e Davoli, e con nuovi compagni e bravi attori come Marco Giallini e Ilaria Occhini, madre invalida e prepotente col figlio gestore del chiosco; Anna Bonaiuto, nei panni dell’ esperta di problemi di cuore che tiene banco nella rubrica pomeridiana televisiva sulla rete di punta; Ambra Angiolini e Claudia Zanella, due hostess-amanti; Sergio Fiorentini, nonno di numerosa e variegata prole; Ennio Fantastichini, emblematico personaggio che tenta (soprattutto a parole) il suicidio. Davoli è il pescatore che spaccia per fresca la sua merce surgelata, Rodolfo Laganà fa il benzinaio, Lele Vannoli il tassinaro, e pure Vincenzo Cerami si è ritagliato un ruolo: l’uomo che parla col pappagallo, ossia una sorta di “grillo parlante” della vicenda.

Un thriller dell’anima, un noir del precariato. Così hanno definito Sono viva, gli autori,  registi e fratelli, Dino e Filippo Gentili con l’attrice, e loro cugina, Giovanna Mezzogiorno, che nel film ha un ruolo marginale ma incisivo. La loro prima pellicola è stata realizzata con un budget di appena 700 mila euro e solo 22 giorni di riprese. E dopo un triennale travaglio burocratico-amministrativo (è tra i progetti che avevano ottenuto il nulla osta per il finanziamento statale sotto il governo Veltroni, revocato dal suo successore Urbani e, infine, recuperato a suon di carte bollate), approda al cinema il 28 maggio, con un’uscita “protetta”, per ora solo in una dozzina di città capoluogo. Presentato con buon successo allo scorso “Courmayeur Noir in Festival”, il film ha un forte cast “teatrale” con a capo, protagonista assoluto, l’attore Massimo De Santis, affiancato da Giorgio Colangeli, Marcello Mazzarella, Guido Caprino.

Un De Santis assai convincente nei panni dell’ombroso Rocco, un giovane disoccupato che si inventa vari mestieri per pagare il mutuo e le spese di casa. Accetta quindi, per soldi, di fare la “guardia” per una notte a una ragazza morta in un incidente. Una particolare “veglia funebre” notturna nel decadente, isolato villone del ricco e sinistro imprenditore che lo ha assoldato, movimentata da una catena di tetri imprevisti. Dall’arrivo del fratello della defunta con fanciulle al seguito che, incurante della morta, fa scorrere litri di champagne e dosi quasi letali di eroina. Al comparire di un giovane, minaccioso rumeno con neonata al seguito, che rivendica la salma. Alla fine sarà proprio la ragazza morta a fargli ritrovare dignità e voglia di vivere. Giovanna Mezzogiorno è una barista, bella e sola, che svelerà a Rocco dettagli importanti sulla tormentata famiglia.

«Siamo partiti da uno dei racconti dell’ Asino D’oro di Apuleio dove un soldato veglia un cadavere – spiegano i due registi –. Poi sono arrivate le suggestioni generazionali per raccontare le dinamiche che si dipanano all’interno di una famiglia, dove i figli faticano a non commettere un parricidio per poter crescere in una società in cui dominano i vecchi. Abbiamo scelto un operaio precario come protagonista per far vedere come può reagire un uomo qualunque, che vive una vita che non ama, di fronte a una situazione straordinaria. E quando non regge più, commette un gesto che segna in qualche modo la sua rinascita». Giovanna Mezzogiorno ha accettato subito di partecipare al film: «Mi sono innamorata della sceneggiatura, dell’atmosfera da fumetto, alla Dylan Dog – spiega -. Tutti i personaggi sembrano appesi ad un filo, rapporti, persone, fatti non sono mai chiari e risolti del tutto. È bello essere un personaggio che entra ed esce, componendo un mosaico anche un po’ surreale. Credo stia qui la bellezza e la poesia del film».

L’attrice, reduce dalla giuria di Cannes, non risparmia qualche polemica verso il nostro sistema cinema. «Al Festival di Cannes, quest’anno, hanno vinto due film piccoli, uno thailandese (Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives) e uno del Ciad (A Screaming Man). In Francia la parola piccolo non esiste, è un’espressione tutta italiana: sono due opere di tutto rispetto senza major dietro o budget enormi. Da noi invece solo alcuni registi, anche in momenti di crisi come questo, lavoreranno sempre e saranno sempre distribuiti in centinaia di copie, anche se il film precedente è andato male, anche se il film è brutto, perché fanno parte della solita parrocchia». Difende il “vero” cinema italiano, quello che, dice, «Rischia sulla propria pelle, quello di attori e autori coraggiosi. Coraggio che manca a molte produzioni e distribuzioni che vanno solo sul sicuro». L’opera prima dei suoi cugini invece esce grazie all’impegno della Iris Film (che ha già distribuito il documentario sul terremoto dell’Aquila Sangue e Cemento e il film La fisica dell’acqua). «Ce l’abbiamo fatta grazie alla nostra passione, tenacia e a un pizzico di fortuna – dicono i fratelli Gentili -. Chissà perché viene così maltrattata un’industria tanto gloriosa come il nostro cinema».

«Ho tante storie nel cassetto e probabilmente non le farò mai, perciò le ho messe tutte insieme in un unico film». Così il regista Gian Paolo Cugno presenta La bella società, con Raoul Bova, Maria Grazia Cucinotta, Giancarlo Giannini, Enrico Lo Verso, David Coco, Marco Bocci, nelle sale dal 21 maggio distribuito da Medusa. «Il titolo si riferisce alla società che i nostri nonni hanno sognato per noi e che i nostri genitori non  sono riusciti a realizzare». È una storia familiare ambientata tra la Sicilia e Torino dagli anni ’50 agli ’80. Protagonisti due fratelli  (Coco e Bocci) coinvolti da bambini in un incidente e invischiati da adulti in politica, fra sensi di colpa e rivoluzioni sociali.  La Cucinotta interpreta la loro madre Maria, che dopo la misteriosa scomparsa del marito diventa l’amante di Romolo (Raoul Bova), un romano arrivato in Sicilia per girare un film.

Dopo il pluripremiato Salvatore, questa è la vita del 2006, suo film d’esordio sull’infanzia con Giannini e Lo Verso, girato a  Pachino, sua città natale, Cugno porta sullo schermo un affresco corale di fine Novecento, partendo dalla Sicilia arcaica dei primi anni ‘60. «Sono cresciuto guardando le tragedie al teatro greco di Siracusa e questo film è una tragedia greca – spiega -. È il mio  secondo film, sto imparando, scopiazzo qua e là, ma è difficile anche scopiazzare. Sono ancora alla ricerca di un mio stile».  Solo all’inizio del film c’è un breve accenno alla mafia: «Non tutte le storie che si svolgono in Sicilia vi hanno a che fare – commenta Cugno -  è come se ogni  film girato a Napoli dovesse per forza parlare di camorra. Si abusa  nel raccontare la mafia e, soprattutto, bisogna saperla raccontare, è un’essenza che sta nei modi di fare, di guardare, in ogni cosa».

«Maria è una persona semplice, ingenua, quasi infantile, che riscopre la voglia di vivere e di amare. Mi sono ispirata a mia madre, ho pensato alla fatica della sua generazione cui dobbiamo il benessere di oggi  – racconta la Cucinotta -. Girare in Sicilia tra granite e arancini è stata un’esperienza bellissima, mi sono sentita libera di rivivere gli anni ‘50 come in un sogno». A giugno l’attende  in Ungheria il thriller-horror The Rite di Mikael Hafstrom con Anthony Hopkins. «È la storia di un esorcismo su una bambina, ispirata a un fatto reale – anticipa Maria Grazia -. Io sono la mamma e reciterò quasi sempre al fianco di Hopkins di cui sono una grande fan». L’attrice ha da poco terminato la commedia romantica argentina Hostias che uscirà a fine anno in cui è l’ex compagna di un regista (Antonio Chamizo) che chiede il suo aiuto per migliorare la sceneggiatura di un film che è costretto a girare.

Fra le sue altre pellicole recenti c’è Dopo quella notte, una docu-fiction sulle stragi del sabato sera, Un giorno nella vita in cui è la mamma di un bambino innamorato del cinema che ruba i soldi per comprare un proiettore e L’imbroglio del lenzuolo di Alfonso Arau, prodotto dalla Cucinotta, che andrà al festival di Taormina. L’attrice siciliana lanciata da Troisi non esclude di poter interpretare anche una commedia con l’amico Raoul Bova: «Ci divertiamo talmente tanto insieme che ci piacerebbe mostrarlo in un film». «A parte il divertimento e Maria Grazia  che è una grande amica. – conferma Bova – sono contento di aver dato un contributo a un giovane regista». L’attore romano ha appena girato una romantica scena di valzer con Angiolina Jolie nel thriller The Tourist con Johnny Depp che il premio Oscar Florian Henckel Von Donnersmarck sta girando a Venezia.

«È una grandissima signora e molto simpatica – dice Raoul della compagna di Brad Pitt – ,  ci eravamo già sfiorati in passato ma è la prima volta che lavoriamo insieme». Sul set si respira la professionalità di Hollywood ma anche l’eleganza, la qualità e la profondità che un grande autore sa dare a una storia». L’attore passa dai film indipendenti  ai blockbuster, producendo anche in proprio. «L’istinto, la passione e il cuore – spiega – mi hanno spinto verso cose impegnate, spesso autoprodotte, alternate a commedie. È un percorso  necessario per esplorare i vari aspetti di te». «Il mio personaggio è pieno di  sfaccettature – spiega Coco – , si porta dentro un enorme senso di colpa, l’ho affrontato d’istinto. Cugno ha saputo raccontare questa  storia con grande naturalezza, riuscendo a cogliere i colori della  Sicilia».

Una bella e meritata promozione per un genere che ha fatto grande il cinema italiano per poi finire nel dimenticatoio e ora tornare a scalare le vette del botteghino, con incassi milionari, e del gradimento del pubblico. Il Sindacato dei Giornalisti Cinematografici (Sngci) che ogni anno assegna il prestigioso riconoscimento, ha dedicato la prima cinquina al grande sceneggiatore Furio Scarpelli da poco scomparso. L’annuncio ufficiale sarà dato insieme alle altre candidature il 27 maggio a Roma, nella prestigiosa sede dell’Accademia di Francia, mentre la consegna dei Nastri avverrà il 19 giugno al Teatro Antico di Taormina, trasmessa in differita da RaiUno. A scendere in campo per aggiudicarsi il titolo di migliore commedia saranno i film Genitori & figli: agitare bene prima dell’uso di Giovanni Veronesi, Happy Family di Gabriele Salvatores, Io, loro e Lara di Carlo Verdone, Mine vaganti di Ferzan Ozpetek e l’outsider Cado dalle nubi di Gennaro Nunziante interpretato dal comico televisivo Checco Zalone che, a sorpresa, ha sbancato i botteghini.

La “promozione” della commedia è stata accolta con favore dagli addetti ai lavori presenti all’annuncio.  Il presidente dei Sngci, Laura Delli Colli, spiega che il direttivo «Ha così voluto valorizzare il genere che ha reso grande il cinema italiano anche all’estero e offrire una segnalazione in più ad autori e produttori ma anche ai cast dei film che spesso conquistano anche gli spettatori e il botteghino». «Abbiamo bisogno di sorridere alla vita – dice il produttore Pietro Valsecchi – per questo il pubblico sceglie le commedie. Scarpelli diceva che il cinema vive di belle storie e di personaggi, per questo le commedie sono importanti. Si dovrebbe puntare con piu’ coraggio sugli autori emergenti». «La commedia è la locomotiva del cinema italiano, va tolta dal ripostiglio, senza polemica – gli fa eco Carlo Verdone -. È un genere in cui stiamo alzando il tiro della qualità, un premio aiuta a migliorarci, a non sentirci più la ruotina del carro». «Poter ridere anche alle tragedie mi piace molto, anche nella vita – aggiunge Ozpetek -. Vedere il pubblico che ride è il premio più bello, è come una droga».