Chi lo ricorda tenero ed emaciato al limite dell’umano nel film Il pianista, con cui vinse l’Oscar, resterà stupito di ritrovare Adrien Brody in versione di cattivo superpalestrato. Muscolatura necessaria per rendere credibile il ruolo del guerrigliero senza scrupoli nel suo primo film horror-fantasy d’azione, Predators, dal 14 luglio nei nostri cinema in 200 copie. Chiaro il riferimento al cult con Schwarzenegger in questa fantascientifica caccia all’uomo con mega guerrieri superalieni seminvisibili. «Tutti i ruoli rappresentano una sfida, che si tratti di un dramma, di una commedia o di un film d’azione. La mia responsabilità è rappresentare la verità, capire il mio personaggio, creare dei legami che permettano anche al pubblico di sentirlo vicino. Per Polanski persi peso, qui metto su massa muscolare. Nel primo caso, emotivamente, fisicamente e psicologicamente è stato molto più difficile».

«Fu molto più duro e doloroso assorbire il ruolo del pianista. Un ruolo così, alcuni attori non lo avranno mai, io stesso a quel livello di impegno, di sforzo e di creatività, non sono più arrivato». Dell’affaire Polanski, il regista che l’ha fatto conoscere al mondo, preferisce non parlare: «Tornerei a lavorare con lui anche subito se ci fosse l’occasione – taglia corto -, ma non spetta a me dare pareri sulla sua attuale situazione legale». Visto che il finale di Predators rimane volutamente aperto, facendo pensare ad un inevitabile sequel, Brody ammette che se ci fossero un bel copione e una bella storia sarebbe felice di farlo. L’Oscar e un film complesso come Il pianista gli hanno dato sicurezza, permettendogli di cambiare, di rischiare anche con ruoli d’azione. «Ho cercato di dare al personaggio di Louis una profondità inusuale per gli standard dei film di genere di Hollywood».

«Ho pensato prima al carattere: doveva essere un leader, un eroe con molti difetti, un antieroe cattivo per il quale è impossibile non fare il tifo. Poi ho pensato al fisico, mettendo su 15 chili di massa muscolare». Dichiara, ma si stenta a credergli, che il film non ha effetti speciali: «Incendi ed esplosioni sono vere, questo film potrà sembrare retrò ma, a mio parere, lo stile anni ‘70 è il migliore, il più potente e intenso, non necessita di trucchetti e scorciatoie per attirare l’attenzione del pubblico».

Quanti segreti si possono nascondere in una famiglia? In casa della guardia carceraria Vince Rizzo, a City Island, tranquillo villaggio di pescatori del Bronx “attaccato” da un ponte alla nevralgica New York, ciascuno ha qualcosa da nascondere. Segreti e risate potrebbe chiamarsi questa commedia interpretata da un sorprendentemente divertente Andy Garcia, protagonista appunto di City Island, scritta e diretta a puntino dall’indipendente Raymond De Felitta che Mikado porterà il 25 giugno nei nostri cinema. In casa Rizzo tutti fumano di nascosto, sul tetto o in giardino, ma questo sarebbe il meno. La figlia universitaria arrotonda ballando di nascosto la lap-dance, il piccolo di casa ha una passione smodata per le grassone che scova, a pagamento, di notte, su Internet. Il capofamiglia però batte tutti.

Dice che va a giocare a poker invece frequenta una scuola di recitazione. Ma non è tutto: in carcere scopre che un giovane detenuto è suo figlio illegittimo, se lo porta a casa con una scusa e lui per poco non gli seduce la moglie. Vince confessa questo suo segreto alla partner che recita al suo fianco, lei lo spinge a fare un provino con Scorsese e De Niro, lui lo passa, la ingaggia come manager e se la porta a casa, dove però sua moglie, credendo sia la sua amante, ci si accapiglia, davanti al figlio di lui illegittimo e quasi suo amante che, scoperto il segreto della figlia adolescente, la riporta a casa discinta e ammanettata. E dopo una rissa collettiva esilarante i nodi vengono tutti al pettine. La figlia del film, Dominik Garcia-Lorido, è la vera figlia di Andy Garcia, che ha trovato entusiasmante recitare al suo fianco, ma il papà se l’è data a gambe per non vederla girare le scene un po’ spinte nel night.

Bravo tutto il cast, con Steven Strait, Julianna Margulies, Ezra Miller e Emily Mortimer. De Felitta ha preso in prestito il motto di George Bernard Shaw: «Se non puoi liberarti degli scheletri di famiglia, tanto vale ballarci insieme» dando vita a una pellicola, costata sei milioni di euro e già uscita negli Stati Uniti il 19 marzo scorso (dove ne ha incassati altrettanti) che ha tempi e dialoghi teatrali, suscita risate spontanee per l’ingarbugliarsi delle situazioni, con tanto di suspence finale e un liberatorio happy end. «Mi sono impegnato a esplorare il mistero che mantiene in vita una famiglia – spiega il regista -, a indagare su come il nostro passato, spesso doloroso, non smetta mai di entrare nelle nostre vite presenti e future. Non è mai troppo tardi per cambiare e scoprire chi sei veramente». A livello stilistico De Felitta è stato influenzato da Woody Allen, James L. Brooks e dal nostro Pietro Germi che,  spiega, «Era in grado di rendere reale e divertente ogni situazione spiacevole, mantenendo sempre un volto impassibile».

Kristen Stewart e Taylor Lautner, protagonisti di Eclipse, il terzo capitolo della saga horror-romantica e milionaria Twilight, nelle nostre sale dal 30 giugno con Eagle Pictures, sono approdati a Roma per presentare il film. Mini abito nero di raso e tulle lei, più casual in camicia grigia e giacca jeans lui, un po’ provati dal fuso orario, hanno parlato dei loro personaggi che crescono ad ogni puntata (e in programma per coprire il quarto capitolo, Breaking down, ce ne saranno altre due). Lei è sempre Bella Swan, divisa tra l’amore impossibile per il bel vampiro Edward Culler (Robert Pattinson) e l’amicizia sentimentale per il licantropo Jacob Black, che l’accompagna nel tour promozionale. Un triangolo amoroso, qui ancor più serrato, che cattura orde di fan, soprattutto tra i giovanissimi. «Molte ragazzine amano Bella perché è strana, ma sa il fatto suo, è determinata, insomma è figa – spiega Kristen -. Commette errori ma sa come affrontarli. Quello che conta nella vita è sapere come affrontare i problemi che ti piovono addosso».

Rispetto al primo film, spiega l’attrice ventenne che vive a Los Angeles, il suo personaggio è cambiato parecchio: «All’ inizio Bella si abbandona un po’ da folle a qualcosa di ignoto, a una storia d’amore idealizzata. Ora apre gli occhi, diventa adulta». «Nel primo film Jacob era solo un tipo alla mano – spiega il diciottenne Taylor -, nel secondo comincia la trasformazione, qui sono più maturo. Sono tanti i messaggi positivi che può dare il mio personaggio: è determinato, sa cosa vuole e lotta per averlo, è uno che lavora sodo». Il film, diretto stavolta da David Slade, punta su sentimenti forti e contrastanti, c’è ancora piu’ azione, in un crescendo di scene violente che toccano il culmine nella battaglia tra vampiri e licantropi alleati contro i NeoNati. Bella deve decidere se diventare vampiro, valutare il prezzo di questa scelta, i pro e i contro di essere l’eterna compagna di Edward. La posta in gioco tra la vita e la morte è sempre più alta, Bella capisce che forse il suo amico Jacob potrebbe offrirle di più».

Emozione nel trasformarsi in licantropo Taylor ne ha provata poca: «Ogni volta che mi trasformavo in lupo subentrava il computer – racconta -, mentre Bella se ne stava seduta in un angolo a vedere noi che ce le suonavamo di santa ragione». Aver cambiato tre registi li ha spronati: «Le sfide erano diverse ad ogni film –racconta lei -, David ci ha fatti lavorare sodo, ha ripensato tutto, ci ha tenuti al chiodo». «Sono due anni che interpretiamo questi personaggi  – aggiunge lui -, lavorare con registi diversi ci ha fatto rimettere in discussione, cambiare i punti di vista, confrontarci con una prospettiva nuova». Il successo ha cambiato anche la loro prospettiva di vita: «Possiamo scegliere di fare ciò che ci piace, ne risente un po’ la privacy, ma basta agire con più furbizia» commenta Taylor. «Devi fare quello che hai sempre fatto, ma in modo più accorto» ammette Kristen. In attesa di tornare sul set per i due film del capitolo Breaking Down, Kristen Stewart sta lavorando al progetto per portare al cinema  On the Road diretto e interpretato da Walter Salles, tratto dal famoso libro Jack Kerouac, mentre Taylor Lautner tra un paio di settimane comincerà le riprese del thriller Abduction di Joe Singleton.

Trent’anni dopo Vincenzo Cerami, Gianfranco Piccioli, Gigi Proietti e Ninetto Davoli si ritrovano sulla spiaggia romana di Ostia per rinverdire le emozioni di quando nel ‘77, con Sergio Citti, dettero vita al film Casotto. Oggi dietro la macchina da presa c’è il figlio di Cerami, Matteo, che a quei tempi non era ancora nato ma che oggi, con Tutti al mare, vuole riportare in vita quel campionario di varia umanità, in versione secondo millennio. Personaggi ridicoli, comici, patetici, sopra e sotto le righe come allora, ma che oggi, invece di “spogliarsi” delle loro tragicomiche maschere tra le pareti di un grande spogliatoio pubblico, ruotano a getto continuo intorno ad un più moderno chiosco balneare, trattati dagli autori con la stessa “pietas” dei loro predecessori. Matteo Cerami ci tiene però a precisare che non si tratta di un remake di Casotto.

«Del film di Citti abbiamo preso lo spirito – spiega il giovane regista -. L’Italia di allora segnata dalla fame è morta e sepolta, quella di oggi è bulimica, superficiale, insegue miti molto diversi. Volevamo però dare ai personaggi la possibilità di continuare ad esistere con le loro maschere anche in questa commedia  molto corale, profonda, amara, tenera e comica, con dialoghi ‘sporchi’, situazioni improvvise, colpi di scena, in un’ambientazione metafisica, sospesa, claustrofobica, come questo chiosco aperto sul mare, il vero protagonista». Un cast stellare che, come allora, si accontenta di recitare a basso costo, visto che il film (che potrebbe esordire ad ottobre al Festival di Roma) ha un budget di circa 2 milioni e mezzo di euro, coperti  per l’80% dalla Film Vision di Piccioli e Gianluca De Marchi, per il 20% da Rai Cinema, e mezzo milione viene dal fondo ministeriale per le opere prime.

«Allora attori come Stoppa, Tognazzi, Melato, Placido, Proietti recitarono praticamente gratis – ricorda Cerami padre -, solo la allora già premio Oscar Jodie Foster ricevette trenta milioni, e alla Deneuve regalammo un anello di Bulgari che, schiaffeggiando Proietti, le volò via dal dito e non fu mai ritrovato». Proietti abbozza divertito a quei ricordi, felice di ritrovarsi con vecchi amici come Cerami, Piccioli e Davoli, e con nuovi compagni e bravi attori come Marco Giallini e Ilaria Occhini, madre invalida e prepotente col figlio gestore del chiosco; Anna Bonaiuto, nei panni dell’ esperta di problemi di cuore che tiene banco nella rubrica pomeridiana televisiva sulla rete di punta; Ambra Angiolini e Claudia Zanella, due hostess-amanti; Sergio Fiorentini, nonno di numerosa e variegata prole; Ennio Fantastichini, emblematico personaggio che tenta (soprattutto a parole) il suicidio. Davoli è il pescatore che spaccia per fresca la sua merce surgelata, Rodolfo Laganà fa il benzinaio, Lele Vannoli il tassinaro, e pure Vincenzo Cerami si è ritagliato un ruolo: l’uomo che parla col pappagallo, ossia una sorta di “grillo parlante” della vicenda.

Lina Wertmuller torna in tv con una delle sue commedie ironiche e frizzanti ma dai temi forti. Mannaggia alla miseria, un vero e proprio film scritto per la tv, in onda su RaiUno il 2 giugno in prima serata, la regista romana porta alla luce il tema delle banche dei poveri. Con un cast di notevole spessore che, oltre ai tre giovani protagonisti Gabriella Pession, Sergio Assisi e Tommaso Ramenghi, si avvale anche di attori del calibro di Piera degli Esposti, Roberto Herlitzka, Luca De Filippo, Peppe Servillo, Ennio Coltorti e Angela Pagano. Un argomento di cui si parla poco, soprattutto in tv, ma di grande spessore sociale. Creato dal premio Nobel Muhammad Yunus e sperimentato in Bangladesh, il sistema di finanziamento rivoluzionario consente di prestare piccole somme di denaro ai poveri, senza garanzie e senza interessi, che vengono restituite in piccolissime rate.

Su questo argomento si sviluppa la storia di Antonio, Marina e Chicchino, trentenni benestanti che, al loro rientro dall’India, si ingegnano per realizzare a Napoli questa forma di credito per i nullatenenti. Una vera e propria rivoluzione sociale che sconcerta le loro famiglie e accentra intorno a loro cantanti neomelodici in cerca di soldi per un video musicale, prostitute in cerca di riscatto, in fuga dalla strada e dai protettori, che vogliono aprire una pensione per famiglie. Ostacolati da strozzini e malavitosi vari, i tre cercano ogni strada per riuscire a realizzare il loro sogno di aiutare gli altri e dare un senso alle loro vite. Li attende un percorso drammatico e comico, pieno di rischi e sorprese, di verità non sempre facili da digerire.

Piera degli Esposti interpreta una nonna bizzarra, che beve e si veste in modo eccentrico. «Si presenta bonaria, accomodante e disponibile verso i ragazzi, invece è una che non fa niente per niente – spiega l’attrice -, si è fatta i suoi conti…che tornano. Lina sa giocare sul mio lato infantilone e su quello piratesco, con sorprese. Io amo interpretare donne che se la godono». «Io son l’infame, il borghese – spiega invece Herlitzka -, che cerca di dissuadere i figli dall’impresa, ma con toni talvolta anche umani».

Affascinata da Yunus, dopo aver letto il suo libro autobiografico Il banchiere dei poveri, Lina Wertmuller ha voluto raccontarlo in un film. Dapprima per il cinema, ma viste le difficoltà, ha virato sulla tv, girando tutto in otto settimane con un budget di meno di due milioni di euro. «Per distribuire un film nelle sale e farcelo restare bisogna spendere tanto in pubblicità – spiega la regista -. In televisione tanta gente può vederlo». È furibonda contro i tagli alla cultura: «Le strutture del cinema sono in crisi, non è possibile tagliare fondi tutti i giorni alla cultura che fa parte del nostro DNA, è inaccettabile, gravissimo, da rivoluzione». Sarebbe davvero pronta a scendere in piazza, magari davanti a Montecitorio, per difendere nobili istituzioni come il Centro Sperimentale di Cinematografia che ha diretto per sei anni e che ora rischia la chiusura. «Sono giorni duri per il mondo dello spettacolo – si lamenta -, tagliare l’arte in Italia è come tagliarsi le palle, abbiamo il 75% del patrimonio mondiale. Non so se Tremonti sia mai andato a teatro o abbia mai letto un libro oltre a quelli contabili».

«Ho tante storie nel cassetto e probabilmente non le farò mai, perciò le ho messe tutte insieme in un unico film». Così il regista Gian Paolo Cugno presenta La bella società, con Raoul Bova, Maria Grazia Cucinotta, Giancarlo Giannini, Enrico Lo Verso, David Coco, Marco Bocci, nelle sale dal 21 maggio distribuito da Medusa. «Il titolo si riferisce alla società che i nostri nonni hanno sognato per noi e che i nostri genitori non  sono riusciti a realizzare». È una storia familiare ambientata tra la Sicilia e Torino dagli anni ’50 agli ’80. Protagonisti due fratelli  (Coco e Bocci) coinvolti da bambini in un incidente e invischiati da adulti in politica, fra sensi di colpa e rivoluzioni sociali.  La Cucinotta interpreta la loro madre Maria, che dopo la misteriosa scomparsa del marito diventa l’amante di Romolo (Raoul Bova), un romano arrivato in Sicilia per girare un film.

Dopo il pluripremiato Salvatore, questa è la vita del 2006, suo film d’esordio sull’infanzia con Giannini e Lo Verso, girato a  Pachino, sua città natale, Cugno porta sullo schermo un affresco corale di fine Novecento, partendo dalla Sicilia arcaica dei primi anni ‘60. «Sono cresciuto guardando le tragedie al teatro greco di Siracusa e questo film è una tragedia greca – spiega -. È il mio  secondo film, sto imparando, scopiazzo qua e là, ma è difficile anche scopiazzare. Sono ancora alla ricerca di un mio stile».  Solo all’inizio del film c’è un breve accenno alla mafia: «Non tutte le storie che si svolgono in Sicilia vi hanno a che fare – commenta Cugno -  è come se ogni  film girato a Napoli dovesse per forza parlare di camorra. Si abusa  nel raccontare la mafia e, soprattutto, bisogna saperla raccontare, è un’essenza che sta nei modi di fare, di guardare, in ogni cosa».

«Maria è una persona semplice, ingenua, quasi infantile, che riscopre la voglia di vivere e di amare. Mi sono ispirata a mia madre, ho pensato alla fatica della sua generazione cui dobbiamo il benessere di oggi  – racconta la Cucinotta -. Girare in Sicilia tra granite e arancini è stata un’esperienza bellissima, mi sono sentita libera di rivivere gli anni ‘50 come in un sogno». A giugno l’attende  in Ungheria il thriller-horror The Rite di Mikael Hafstrom con Anthony Hopkins. «È la storia di un esorcismo su una bambina, ispirata a un fatto reale – anticipa Maria Grazia -. Io sono la mamma e reciterò quasi sempre al fianco di Hopkins di cui sono una grande fan». L’attrice ha da poco terminato la commedia romantica argentina Hostias che uscirà a fine anno in cui è l’ex compagna di un regista (Antonio Chamizo) che chiede il suo aiuto per migliorare la sceneggiatura di un film che è costretto a girare.

Fra le sue altre pellicole recenti c’è Dopo quella notte, una docu-fiction sulle stragi del sabato sera, Un giorno nella vita in cui è la mamma di un bambino innamorato del cinema che ruba i soldi per comprare un proiettore e L’imbroglio del lenzuolo di Alfonso Arau, prodotto dalla Cucinotta, che andrà al festival di Taormina. L’attrice siciliana lanciata da Troisi non esclude di poter interpretare anche una commedia con l’amico Raoul Bova: «Ci divertiamo talmente tanto insieme che ci piacerebbe mostrarlo in un film». «A parte il divertimento e Maria Grazia  che è una grande amica. – conferma Bova – sono contento di aver dato un contributo a un giovane regista». L’attore romano ha appena girato una romantica scena di valzer con Angiolina Jolie nel thriller The Tourist con Johnny Depp che il premio Oscar Florian Henckel Von Donnersmarck sta girando a Venezia.

«È una grandissima signora e molto simpatica – dice Raoul della compagna di Brad Pitt – ,  ci eravamo già sfiorati in passato ma è la prima volta che lavoriamo insieme». Sul set si respira la professionalità di Hollywood ma anche l’eleganza, la qualità e la profondità che un grande autore sa dare a una storia». L’attore passa dai film indipendenti  ai blockbuster, producendo anche in proprio. «L’istinto, la passione e il cuore – spiega – mi hanno spinto verso cose impegnate, spesso autoprodotte, alternate a commedie. È un percorso  necessario per esplorare i vari aspetti di te». «Il mio personaggio è pieno di  sfaccettature – spiega Coco – , si porta dentro un enorme senso di colpa, l’ho affrontato d’istinto. Cugno ha saputo raccontare questa  storia con grande naturalezza, riuscendo a cogliere i colori della  Sicilia».

Una storia semplice. Due persone qualsiasi che si innamorano, la loro vita raccontata come in un documentario. Silvio Soldini  ha impostato così il suo nuovo film Cosa voglio di più, nelle sale da venerdì 30 aprile in 270 copie. Protagonisti-amanti Alba Rohrwacher e Pierfrancesco Favino. Anna, impiegata modello, vive la scialba routine nell’hinterland milanese con l’affettuoso e servizievole compagno (Giuseppe Battiston). Domenico, cameriere con moglie e due figlie a carico, fatica a sbarcare il lunario e si ritempra facendo il sub in piscina. L’incontro, casuale, la passione improvvisa, il sesso consumato freneticamente nel classico, anonimo motel, le inevitabili bugie in famiglia, tra messaggini nascosti e telefonate a bassa voce chiusi in bagno, le amiche di lei che sanno e non sanno o comunque fingono di non sapere, le gelosie, le liti.

Insomma, una storia di normalissima quotidianità, di banalissimi tradimenti coniugali tra gente dell’anonima periferia, con pochi soldi e pochi sogni. Un film ben scritto, ben fatto e assai ben recitato ma che alla fin fine ti scivola addosso. «Racconto una situazione di assoluta normalità – conferma il regista -, questa era la sfida: raccontare tutti i passaggi dell’anima, le sfumature del quotidiano, sottolineare come la mancanza di soldi e la sfiducia nel futuro condizionino le passioni». Soldini voleva anche indagare sul rapporto tra il centro della città e la periferia: «Molto cambiato negli ultimi tempi, sia dal punto di vista sociologico che pittorico». «È un film sulla qualità dell’amore, diviso tra passione e sentimenti coniugali – spiega Favino -. C’è un’angoscia congenita e la preoccupazione per il domani di due persone che vivono una passione travolgente senza essere divi da copertina».

«Una love story orfana di glamour – continua Favino – e un racconto sociale senza pietismi. E c’è un regista sensibile che racconta tutto questo tenendosi in bilico tra distacco e partecipazione. La cosa difficile è stato intercettare senza retorica un certo ambiente proletario». «È stata un’esperienza totalizzante, tra le più intense della mia carriera – gli fa eco Alba –, qualcosa di viscerale che ha coinvolto tutto il cast». Nessun problema per i due a girare le tanto strombazzate scene di sesso, che nulla hanno di eccessivo e tantomeno di volgare (si è visto di più e di peggio, anche in tv!). «Silvio sa raccontare con grazia e sentimento – dice Favino – ti porta nelle cose con meticolosità e attenzione. Ci sono stati momenti di autentica fatica personale in cui il coinvolgimento era totale». «C’era un’enorme fiducia reciproca – aggiunge Alba – nessun voyerismo, lo sguardo di Soldini non giudicava mai, ci siamo mossi con estrema libertà. Alla fine Anna sceglie, con un atto di coraggio, una prospettiva sul futuro».

La televisione sta per sommergerci di polizieschi al femminile. Confortate dal successo dell’inaffondabile commissario Montalbano, nonostante sia in replica, le reti ammiraglie di Rai e Mediaset si preparano a scalare le irte vette dell’Auditel con le nuove avventure delle loro detective di successo. Da mercoledì 21 aprile (con il giovedì successivo e poi per altri sei giovedì) torna su RaiUno in prima serata Donna Detective con Lucrezia Lante Della Rovere. Canale5 contrattacca dal 27 aprile il martedì in prima serata con la Squadra Antimafia 2 di Simona Cavallari.

La nuova serie di Raifiction non prevede eroi, ma parla del quotidiano dell’arguta ispettrice di polizia Lisa Milani che è anche una mamma preoccupata stavolta per le complesse sorti della ribelle figlia adolescente ed è pure una moglie, rinfrancata dal ritorno all’ovile del marito pediatra  Kaspar Capparoni, pronto a darle una mano coi tre figli e il menage familiare ma che nasconde grossi problemi di salute. Invariato il cast ma cambio di regia, con al timone Fabrizio Costa (che guarda caso sta girando a Belgrado per la Rai Il Commissario Nardone) che ha sterzato verso la commedia sentimentale, puntando di più sulla famiglia, senza perdere però di vista la capacità investigativa di Lisa.

«La serie affronta temi sociali con una chiave narrativa molto moderna e coinvolgente in cui il pubblico certamente si identificherà», spiega il direttore di Rai Fiction Fabrizio Del Noce. «In Lisa ci si possono riconoscere tutte le donne che si realizzano nel lavoro senza mollare affetti e famiglia – gli fa eco Lucrezia Lante della Rovere -. Si allungano come elastici tra capo, marito e figli senza spezzarsi. Stavolta sarà mia figlia a farmi vedere i sorci verdi, come accade a molte mamme di ragazze adolescenti». Ma cos’ha di speciale questa poliziotta per piacere al pubblico? «Professionalmente Lisa ha un grosso intuito, quel “fiuto” speciale tipico delle donne, ai maschi invece devi spiegare sempre tutto».

«Ho incontrato vere poliziotte belle, sensuali, affascinanti, un’arma in più per carpire qualche notizia utile alle indagini. Non è una “Wonder Woman”, ha il terrore dei botti, insomma è umana, le succedono le cose che capitano a tutti». Essendo madre di due bambine (gemelle), di adolescenti ribelli se ne intende: «Conosco i problemi –conferma- è un periodo doloroso in cui il rapporto madre-figlia è molto difficile. Anche per me che di mestiere faccio l’attrice è praticamente impossibile fare progetti a lungo temine, di colpo di tocca partire e mollare tutto». Ma se anche questa seconda serie andrà bene (la prima ha ottenuto il 25% di share) non esclude di poter continuare, magari come “Nonna Detective”.

Non aspettatevi la solita spy-story. Qui si ride, di gusto, con un esilarante, inusuale, scatenatissimo John Travolta. Pelato, pizzetto, baffoni neri, megaorecchino, nel film di Pierre Morel From Paris With Love, prodotto e sceneggiato da Luc Besson (nei cinema con Moviemax), il nostro stavolta veste i panni dell’agente della CIA Charlie Wax, un tipo poco ortodosso, violento e senza peli sulla lingua, che piomba nella vita del ligio collega James Reese (Jonathan Rhys Meyers) sconvolgendola. Il giovane James vive tranquillo lavorando sotto copertura come assistente dell’ambasciatore americano a Parigi e dividendo l’esistenza con la bella e ingenua fidanzata Carolina (Kasia Smutniak). Wax atterra dunque a Parigi scatenando da subito un incidente diplomatico.

Sdoganato da James si mette con lui ufficialmente alle calcagna di pericolosissimi trafficanti internazionali di droga ma, in realtà, c’è un attentato terroristico da sventare. E cominciano a piovere fiumi e fiumi di proiettili e cadaveri, in una truculenta ma assai comica escalation di sparatorie, adrenalinici inseguimenti, nemici gettati a grappoli giù dalle scale, copiosa pioggia di polverina bianca dal soffitto bucherellato a colpi di mitra di un sospetto ristorante cinese. Preziosa polvere che James dovrà devotamente raccogliere in un vaso, ovviamente cinese, tra un arruffio di rottami e di cadaveri, per usarla come merce di scambio quando i nostri riusciranno ad avvicinare i nemici. Mentre il nostro ruvido e spietato killer spia Wax alla fine di ogni azione si ritemprerà con un mega cheeseburger servitogli in pompa magna da agenti segretissimi!

Un Travolta ironicamente comico come non si era mai visto e che dopo trent’anni di carriera è riuscito a girare un film in Francia. «Questo agente della CIA è un personaggio oltraggioso che mi offriva l’opportunità di fare qualcosa di diverso – spiega l’attore -. Personalmente non farei mai le cose che fa Wax, ma poter interpretare anche personaggi immorali è uno dei privilegi che hanno gli attori». Riguardo al suo nuovo look dice: «Avevo appena finito le riprese di The Taking of Pelham di Tony Scott con Denzel Washington dove avevo un look da duro, volevo differenziarmi un po’ da quel personaggio. Allora ci siamo sbarazzati dei miei capelli, mi sono fatto crescere il pizzetto e ho scelto di vestirmi da ‘soldato di fortuna’ con sciarpa, giacca di pelle e pantaloni da para’».

Una ‘rapata’ liberatoria: «Proprio come in Pulp Fiction dove l’inusuale taglio dei capelli alla tedesca dava al mio personaggio un tocco ero-trash. Il look è molto importante perché un film è un mezzo visivo». Ha trovato il suo compagno Rhys Meyers simpatico e divertentissimo: «Ha un bel senso dell’umorismo ed è molto professionale, ha i tempi giusti , ci puoi fare affidamento e sa tenerti testa quando decidi di cambiare qualcosa durante la scena». La sua formazione da ballerino, spiega, lo aiuta nelle scene d’azione: «Certe acrobazie somigliano molto a dei balletti, devono essere fluide. Mi piace l’azione ma non reciterei in un film scritto male. In questo film non c’è nulla di gratuito, per me è stato fisicamente molto impegnativo e mi viene da ridere perché sono vecchio per quello che faccio, la gente della mia età dovrebbe ammosciarsi, non caricarsi così».

Alla faccia del 3D! L’eccentrico, visionario regista Wes Anderson per Fantastic Mr. Fox, il suo primo film d’animazione, ha scelto l’antica tecnica dello “stop-motion” (marionette di plastilina). Tratto dal romanzo di Roald Dahl, popolarissimo autore per bambini (La fabbrica di cioccolato) , candidato all’Oscar come miglior film d’animazione  Fantastic Mr. Fox (nelle sale dal 16 aprile distribuito in 100 copie dalla 20th Century Fox) è rivolto soprattutto agli adulti, a far riflettere sul valore degli affetti, della famiglia. Protagonista la volpe Mr. Fox, ex ladro di polli diventato giornalista (l’ironica battuta sullo status del protagonista è in apertura del film) , marito e padre modello che, seppur imborghesito dal raggiunto benessere, non perde l’atavico istinto di predatore.

Quando il suo sguardo vola oltre la finestra della sua lussuosa dimora all’interno di un maestoso faggio e si posa su tre enormi fattorie dove si allevano galline, oche e si distilla un fantastico, superalcolico sidro, non resiste alla tentazione di tornare al mestiere per cui è nato, il ladro di polli appunto, mettendo a repentaglio la vita dei suoi cari e dell’intera comunità animale. L’estroso regista de I Tenenbaum, Il treno per Darjeeling e Rushmore ama l’artigianalità, la manualità, dunque la stop-motion che infonde al prodotto un sapore retrò. «Avatar è stupefacente – spiega Anderson, a Roma per presentare il film -, ma quando decido di realizzare un film non penso a cosa vuole il pubblico ma a cosa interessa a me. Sebbene questa pellicola sia più piccola e utilizzi una tecnica un po’ all’antica per realizzarla abbiamo impiegato lo stesso tempo del kolossal di Cameron».

Un cartone dal ritmo incalzante, ricco di umorismo e ironia, che fonde diversi generi, dal western al gangster movie: «Il mio punto di riferimento era il racconto di Dahl, il primo libro che ho letto e che mi è rimasto nel cuore. Mi piaceva troppo Mr. Fox, eroico e vanitoso». A chi definisce il film politico, addirittura comunista, l’autore risponde: «Se esistono questi riferimenti sono stati inconsci, certo Dahl ha uno spirito anarchico e riconosco la paternità della scena del saluto a pugno chiuso fra Fox e il lupo che ritengo un momento centrale del film». Sul continuo bisogno di stupire del protagonista dice: «È solo un modo per combattere la sua insicurezza, l’insoddisfazione, quando lo rivela alla moglie si mette a nudo. Dovremmo essere tutti più bravi nel confessare agli altri la nostra vera vita interiore, come ho fatto stavolta io: non c’è nulla di questo nel libro di Dahl, è tutta farina del mio sacco».